Still Alice: El arte de perder

El tema de la esquizofrenia ha sido un tema bien abordado en el cine (A beautiful mind,Donnie Darko, Take Shelter),  dando la oportunidad de adentrarnos más en la psicología de quienes padecen esta triste enfermedad y de los que los rodean, pero en Still Alice el tratamiento es diferente, no se trata de la enfermedad de lleno. En Still Alice nos habla sobre el inicio de la enfermedad, el sufrimiento de saber que todo va a quedar en el olvido, ver como te vas degenerando poco a poco sin poder hacer nada, la tristeza de no poder recordar lo mejor de tu vida.

Este es un largometraje muy intimista, el cual se enfoca en la Dra. Alice (Julianne Moore) quien es una profesora de lingüística en la universidad y esta se va dando cuenta que su memoria le va fallando, primero olvidando palabras aisladas, lo que hace que ella sufra más ya que es precisamente a lo que se dedica, hasta el punto de no recordar donde estaba. Sin decirle a nadie fue a citas con un neurólogo, el cual le confirmó su enfermedad.

A medida que va pasando la película sentimos que las emociones y pensamientos son bastante certeros, y esto es gracias a la dirección tan sentida de Richard Glatzer. Vale la pena decir que él sufre de ALS por lo que su dirección fué bastante limitada, y su voz se proyectaba a través de un Ipad. Aplaudo la elección del poema de Elizabeth Bishop "El arte de perder"y su relación con la enfermedad en una de las escenas más emotivas del filme.

Este filme tiene escenas con mucha fuerza gracias a la infalible Julianne Moore, la cual nos ha brindado excelentes interpretaciones este año con Map To The Stars y este filme por igual. Aquí Moore nos brinda una actuación poderosa, llena de emociones, de sentimientos y bastante certera. Sin esforzarse mucho logra todo y nos transmite a la perfección por todo lo que está pasando su personaje, logrando que nos identifiquemos y sintamos empatía con ella.

El resto del reparto merece una mención especial por igual: Alec Baldwin (John) está perfecto como su esposo, y nos brinda una actuación bastante conmoverdora. Kristen Stewart (Lydia) merece la pena ser vista por igual, interpretando a una aspirante a actriz, pero su madre, la Dra. Alice no está muy de acuerdo. La relación entre ambas se vuelve especial y tienen una buena química en la pantalla.

Aunque el guión llega a ser bastante monótono y con situaciones y diálogos forzados, Still Alice es un filme que merece ser visto por lo que te hace reflexionar. No se pierdan de estas maravillosas interpretaciones.

"El arte de perder no cuesta tanto"

Ficha Técnica
Dirección:Richard Glatzer, Wash Westmoreland.
Guión: Richard Glatzer Wash Westmoreland
Montaje: Nicolas Chaudeurge
Basado en: Still Alice de Lisa Genova
Reparto:Julianne Moore,  Alec Baldwin Kristen Stewart Kate Bosworth Hunter Parrish
Duración: 101 minutos

Los gatos no bailan: Un homenaje al Hollywood clásico

Hollywood es sinónimo de talento, sueños, prestigio, arte, creatividad, fama y glamour, y este el más grande sueño del gato Danny: Conquistar Hollywood.

Danny es un gato de un pueblito llamado Kokomo, de donde partirá lleno de sueños y esperanzas con el fin de ser reconocido como una de las más grandes estrellas. Este talentoso gato que canta y baila ha sido inspirado en Gene Kelly y Fred Astaire, dos de las más grandes estrellas musicales y sobre todo dos de los más grandes bailarines de todos los tiempos.

Más tarde Danny se dará cuenta que en Hollywood las calles no son de oro como el pensaba, y se dará cuenta que necesita más que talento si quiere triunfar. En la ciudad conocerá a un grupo de animales que cantan y bailan los cuales intentan aterrizar a Danny a la realidad. De la misma forma, conocerá el amor en Sawyer, una gata talentosa como él.

Esta hermosísima película es un homenaje a los años dorados de Hollywood, donde se hacen referencias a grandes clásicos como Gone With The Wind, Cantando Bajo La Lluvia y Casablanca. También a estrellas como Joanne Crawford, Cary Grant y Clark Gable. Su antagonista, llamada Darla Dimple es una clara sátira por igual a una de las figuras más famosas de aquella época: Sherley Temple.

Esta película es entretenida y graciosa por las ocurrencias y situaciones de estos animales , y de la manera tan creativa en que los utilizan en el filme. No es casualidad que el grupo de animales fuera: Una tortuga, un mamut, un pez, un elefante, un pinguino y una cabra. Es una metáfora a lo que es Hollywood representado en cada uno de ellos.

Si no han podido ver este filme y se consideran amantes del Hollywood clásico no dejen de ver esta gran comedia musical animada, donde tendrán canciones y números musicales inolvidables. Hasta los créditos iniciales y finales son entretenidos, con un montaje bastante inteligente durante todo el filme, por lo que los invito a soñar y a reír un buen rato. Vale la pena ver este filme apto para todos.

"Hollywood, donde las calles de oro son"

Ficha Técnica:
Dirección: Mark Dindal
Guión: Mark Dindal, Robert Lence, Brian McEntee, Rick Schneider,David Womersley,Kelvin Yasuda
Producción: Bill Bloo,Timothy Campbell, Paul Gertz,David Kirschner
Edición:Dan Molina
Duración: 75 minutos
Año: 1997
Reparto: Scott Bakula, Jasmine Guy, Matthew Herried,Ashley Peldon

The Interview: Tanto para nada

El cine, el cual es un medio de comunicación por excelencia, puede lograr cosas que no nos imaginamos. Tanto así que todos hemos sidos testigos de la guerra virtual que se desató en contra de SONY debido a este filme llamado "The Interview". Se llegó a tal punto de realizarse incluso amenazas terroristas a quienes asistieran a ver este filme, debido a que en este filme se satiriza al mandatario de Korea del Norte Kim-Jong Un

Para los que conocemos los últimos proyectos de Seth Rogen (This is the End, Neighboors) nos hacíamos la idea que "The Interview" iría por el mismo estilo, por lo que si esperaban algo como la película El Dictador (Charlie Chaplin) lamento decirles que este filme está muy lejos de eso. Muchos han calificado este largometraje de polémico, pero en mi caso, simplemente no tengo como calificarlo, porque no dice nada. Es triste porque lo que propone originalmente es muy bueno, y de haberse tratado de una forma más inteligente, pudo haber sido un filme revolucionario y como una buena referencia acerca de sátiras políticas. Recordemos que el objetivo de la comedia es precisamente hacer denuncias sociales, debido a que es el género que más fácil llega a las personas.

Creo que es un buen momento en el que como humanidad reflexionemos sobre los medios sensacionalistas y la forma tan irresponsable en que se divagan las informaciones, y más por cosas tan simples. Todos los días nos llenan la cabeza de noticias insignificantes o de manera distorsionada. Pienso en todas esas semanas en las que se estaban haciendo especulaciones sobre este filme que al final no tiene grandes implicaciones.

De la misma forma, Hollywood y sus productores deben pensar un poco acerca de los largometrajes que realizan, ya que es comprensible que los norcoreanos se sintieran ofendidos e irrespetados con los malos chistes y las cosas dichas en la película, aunque al mismo tiempo las reacciones fueron bastante exageradas. Esperemos que se pueda olvidar esta atención mediática y seguir adelante.

Ficha técnica: 

Dirección: Seth Rogen, Evan Goldberg

Guión: Dan Sterling

Reparto: Seth Rogen, James Franco

Producción: Evan Goldberg, Seth Rogen, James Weaver

Duración: 112 minutos

La teoría del todo: No hay fórmula para la felicidad

Cuando se habla de Biopics (Películas basadas en la vida de una persona) siempre me predispongo un poco respecto al filme, y sólo me enfoco en la interpretación del personaje homenajeado. Esto es debido a que es muy complejo condensar tantos elementos en 2 horas y al final ni sabes de que iba la película. Una de las alternativas escogidas por los guionistas es basarse en un momento o en un aspecto en específico de esa persona. En el caso de La teoría del todo, está basado en el libro "Travelling to Infinity: My Life with Stephen por Jane Hawking" escrito por la primera esposa de Stephen Hawkings, en el que ella cuenta sus vivencias con este genio.

Debo decirles que el filme me sorprendió de manera muy grata. Es un filme conmovedor,es gracioso, es humano, es triste y es esperanzador. Es interesante como nos va demostrando la decadencia de Hawkings a través de los años; de ser un joven feliz, inteligente y vigoroso pasa a mostrarnos a un Stephen Hawkins demacrado físicamente, pero sin perder su espíritu y genialidad. Resulta curioso también ver que esta decadencia física va paralela con la decadencia de su matrimonio con Jane. 

Aunque el filme se enfoca más en la relación de Stephen y Jane, no deja de lado tampoco la parte científica, aunque de manera superficial y simple para que sea más fácil a los espectadores digerirla. Ya sabemos que Hawkings se hizo famoso en la comunidad científica por sus teorías sobre los agujeros negros y que estos emitían radiación. Hawkings también tenía una idea en la mente y es en la cual se basa el título del filme: Encontrar una formula que mostrara de manera cuántica el origen del universo, lo que nos lleva también por momentos a reflexionar un poco sobre el universo y su inmensidad, nuestro origen, nuestra existencia, para que estamos aquí, hacia donde vamos y sobre todo la existencia de Dios (Existencia que Hawkings discutía muy a menudo).

Me atrevo a decir que el mejor aspecto con que cuenta este filme es Eddie Redmayne y su magistral interpretación de Hawkings, la cual estuvo preparando durante 6 meses. Esto hizo que en escena se viera fácil y natural, pero ya sabemos por sus propias declaraciones que al terminar las grabaciones quedó exhausto. 

La adopción de la forma de hablar, la postura, las manos, la forma de caminar al comienzo de la enfermedad es digno de admirar.Tan convincente que te olvidas totalmente de Eddie y sientes que ves a Hawkings. Una interpretación conmovedora, inolvidable y poderosa; simplemente una cátedra de actuación. Eddie Redmayne ha sorprendido de forma maravillosa con sus habilidades, hasta el punto de considerar que es una de las mejores interpretaciones masculinas del 2014, si no es que es la mejor. Una actuación bastante completa.

A Redmayne lo acompaña Felicity Jones, interpretando a su esposa Jane. Felicity nos conmueve con un personaje inocente, dulce, ingenuo, perseverante y sobre todo leal. Nos da una idea del sacrificio y del corazón de la verdadera Jane Hawkings y de su lucha a través de los años, aunque en el filme se muestra una versión más ligera. Una interpretación que es también digna de admirar.

Hay que reconocer el trabajo de su director James Marsh quien pudo explotar la capacidad de sus actores y también por escenas tan bien logradas y certeras llevándonos a esa lucha interna y psicológica de ese matrimonio, acompañados de hermosas melodías compuestas para el filme y que acentúan mucho más las emociones de las escenas.

Debo agregar que aunque el matrimonio de esta pareja está bien representado, sentimos que faltaron algunos aspectos por exponer por ejemplo la sexualidad de ambos, de la cual se habla  mucho en el libro pero decidieron obviarlo.De todas maneras, es un excelente filme que merece la pena ser visto.

"Donde hay vida, hay esperanza"

Ficha Técnica

Dirección: James Marsh.
Guión: Anthony McCarten.
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce, Anthony McCarten.
Música: Jóhann Jóhannsson.
Duración: 123 minutos.
Reparto: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, Emily Watson, Simon McBurney.

Magic in the moonlight: De la magia, ilusión, y otras cuestiones.

Ser siempre excelente puede llegar a tener la desventaja de que acostumbras a los demás a sólo eso, a lo bueno. Cuando se disminuye el nivel puede darse a la confusión de que lo que brindes es malo, pero es solo por el hecho de que se espera más de ti. Este es el caso de Woody Allen y su "Magic in the moonlight". Y es que el filme no es del todo malo, pero no está a nivel, no es un filme que recordarías. Sin embargo, con Allen, a pesar de todo, sus temáticas siempre resultan interesantes y no pierde ese toque mágico y especial que caracteriza sus filmes.

En el filme, aunque de manera superficial, se plantea el debate eterno: Espiritualismo versus realismo. Stanly (Collin Firth) es un ilusionista en exceso racional, amargado y psicorigido mientras que Sophie (Emma Stone), quien se dedica al espiritismo, es todo lo contrario; relajada, tranquila, feliz y soñadora. Stanly es buscado para desenmascarar a Sophie. El quiere que sepan que ella es un engaño y no posee ningún poder especial.Le resultaría fácil, debido a que es ilusionista y conoce las mañas y trucos. La historia pudo haberse dado más interesante. Tenía elementos para hacerlo, pero muchas de las situaciones se tornan predecibles. No obstante divierte y se puede pasar un buen rato.

Aplaudo la elección de Emma Stone, que aunque no estuvo a toda capacidad, se desenvuelve con gracia, dinamismo y resulta un personaje bastante agradable con el que muchos pueden simpatizar. Collin Firth también tiene sus momentos, pero sentimos que no se siente cómodo del todo en el personaje. El conjunto por desfortuna no convence con su romance en la pantalla, y la química entre ambos no funciona a pesar de la hermosa fotografía, los hermosos vestuarios diseñados por Sonia Grande, y de los paisajes soñadores en el sur de Francia a los que nos lleva Woody con su historia.


Si eres de la legión de seguidores de Woody Allen y de las comedias románticas probablemente disfrutes el filme y pases un buen rato. Y es que es admirable lo que hace este genio, que a sus 79 años nos sigue contando historias con una pasión sin fin. Siempre ansío la siguiente de Woody Allen.

"Todo mi optimismo fué una ilusión"

Ficha Técnica: 
Dirección: Woody Allen .
Guión:Woody Allen.
Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum, Helen Robin.
Reparto: Emma Stone, Collin Firth, Marcia Gay Harden, Hamish Linklater.
Duración: 97 minutos.
Fotografía: Darius Khondji.
Vestuario: Sonia Grande

Mommy: Una familia no convencional

Die o Diane (Anne Dorval) es una mujer sola y viuda, que debe hacerse cargo de su dificil hijo Steve (Antoine-Olivier Pilón). Dificil debido a que este tiene diagnosticado TDAH (Trastorno de Déficit de Atención con Hiperactividad), lo que implica que estamos ante un adolescente bastante inestable emocionalmente, activo, enérgico, no puede permanecer callado, es impaciente, no le gusta sentirse controlado, es impulsivo y sin miedo a decir todo lo que piensa y lo primero que le llega a la mente. 


Su madre Die no es convencional tampoco.Es una mujer de clase media trabajadora, viste de forma moderna y lleva un estilo de vida el cual muchos llamarían liberal. No le sobran pretendientes, y se las busca cuando debe hacerle picada de ojos a cualquiera que pueda resolverle cualquier problema. Esta situación molesta mucho a su hijo Steve, lo que desatará en él muchos arranques de ira, como si tuviera Complejo de Edipo.Por otro lado tenemos a la vecina de enfrente, Kyla (Suzanne Clémment) quien de cierta forma llega para equilibrar ese hogar, y gracias ella vemos lo mejor de Steve: Un muchacho tierno, dulce,amoroso, atento y gracioso, el cual vemos que adora a su madre.


Las actuaciones de este trío resultan agradables, formando una dinámica muy buena y una química que funciona a la perfección. Hay que reconocer el trabajo arduo de Antoine (Steve) ya que interpretar un personaje de ese tipo requiere de bastante energía, y puede decirse que no la disminuyó en ningún momento. Nos mantuvo con él durante el filme completo. Estas tres interpretaciones son dignas de ser premiadas.

Es sorprendente el talento de Xavier Dolan a pesar de su juventud. Tiene un estilo bien marcado y bastante definido. Hemos de esperar de sus filmes lo inesperado, lo loco, lo exagerado y lo inusual. Muestra de eso es el formato en que fué filmada la película; 1:1 es decir, no en Wide Screen, sino de manera vertical, parecido a un celular, buscando con esto hacernos sentir atrapados y sofocados igual que los personajes. Hay que agregarle de igual manera la selección de música utilizada en el filme, como por ejemplo On ne change pas de Celine Dion o Vivo per lei de Andrea Bocelli,.

En definitiva, a pesar de que hay momentos en que todo es bastante exagerado, por momentos forzoso, melodramático o quizás bizarro, debo decir que Mommy es un film hermoso que te conmoverá, te hará reir y convivirás con personajes entrañables. 

"¿Como le llamaste a mi madre?"

Ficha Tecnica
Dirección: Xavier Dolan
Guión: Xavier Dolan
Producción: Sylvain Corbeil Xavier Dolan Nancy Grant Lyse Lafontaine
Fotografía: Andre Turpin
Reparto: Anne Dorval, Antoine-Olivier Pilon, Suzanne Clément

Boyhood: Momentos de una vida

Siempre he pensado que el cine es inmortalidad. Una vez que esa imagen queda captada puede perdurar para siempre, sirviéndonos de referencia histórica y dándonos luego ese efecto melancolía por revivir momentos que tal vez no recordábamos o entre risas o tal vez una lágrima, percatarnos de como hemos cambiado a través de los años.

Esto es algo que su director Richard Linklater comprende a la perfección. Y no es la primera vez que Linklater ha hecho rejuego con el tiempo, no olviden su trilogía Before Sunrise, Before Sunset, Before Midnight, sólo que esta vez quiso canalizar ese paso del tiempo en un sólo proyecto el cual le llamó Boyhood y muestra los momentos de una vida, de la vida de Mason (Ellar Coltrane), desde sus 5 a 18 años.

Cuando se va al cine, y se paga por una taquilla, como espectadores, esperamos ver una historia con una columna vertebral, donde los personajes tienen un objetivo que alcanzar, obstáculos y antagonistas por vencer. Debido a que esa es la costumbre, cuando no nos dan eso que esperamos, hay una posibilidad de salir decepcionados diciendo "Qué mala película"o "Qué película tan aburrida".  Y he aquí donde radica el problema de que muchos no hayan simpatizado con Boyhood. Y es que Boyhood no se trata de eso, no es una sola historia, se trata de la vida misma. Boyhood nos muestra momentos de la vida de Mason a través de los años, donde lo veremos crecer no solo de manera física, pero también en el aspecto interno. De la misma forma, veremos la evolución del resto de los personajes.

Pero para que este viaje de 12 años funcionara era imperativo que fuera lo más real y natural posible, cosa en la que Linklater es un maestro, ya que Linklater tiene sus métodos con los actores en el cual cuando vemos su filmografía llega a confundirnos, debido a que no sabemos si son los actores actuando como ellos mismos o si es el personaje.Así de orgánico es el tratamiento de Linklater con ellos.Busca captar en pantalla la vida tal cual es, o al menos como la percibe.


Luego que termina la película, sientes la misma sensación que la madre (Patricia Arquette) de Mason, que todo ha pasado bastante rápido, que el tiempo se va creyendo que había más. Ese es el mensaje central del filme, que aprovechemos los momentos de nuestra vida. Mención especial para ella y para Ethan Hawke por tan maravillosas interpretaciones y personajes tan entrañables.


Aunque tiene sus puntos flojos respecto a algunas escenas, también ideas que Linklater propuso y no se pudo explotar bien, por ejemplo la tecnología hoy en día, estamos frente a un filme humilde, simple y hermoso, el cual recomiendo para que vivan la experiencia.


"El momento nos vive"

Ficha Tecnica

Dirección: Richard Linklater.
Guion: Richard Linklater.
Producción: Richard Linklater, Cathleen Sutherland,Jonathan Sehring,John Sloss
Edición: Sandra Adair.
Reparto: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Lorelei Linklater, Ethan Hawke.

Dos días y una noche: La crisis de valores

Sandra (Marion Cotillard) es despertada para recibir la no tan grata noticia de que será despedida. Sus compañeros de trabajo han sido llamados a elegir entre si quieren su bono de mil euros o si Sandra vuelve a trabajar. El asunto es que si Sandra vuelve, deben desprenderse del bono. De sus 16 compañeros, sólo 2 votaron para que ella no perdiera su trabajo.

Sandra sufre de depresión, por lo que su esposo es el mayor soporte para la lucha que está a punto de emprender: Ir donde sus colegas casa por casa a pedirles su voto y compasión. Necesita que 9 de los 16 compañeros accedan a no recibir su bono para ella no perder su trabajo. 

En este vaivén, Sandra vivirá diferentes situaciones con sus colegas, haciendo que la historia resulte fluida. Situaciones humillantes pero también situaciones que la alegrará, la conmoverá y harán de Sandra una mujer más fuerte

En esta conmovedora película vemos a la Europa sumida en crisis, no solo económica, pero también personal, y como cada quien tiene sus propios problemas y dificultades. Aquí los hermanos Dardenne con el estilo que los caracteriza, tan convincente y natural, ponen a prueba el valor de la solidaridad en tiempos difíciles. Pero, es la crisis lo suficientemente fuerte como para que también haya una crisis de valores?

En cuanto a las interpretaciones, muchas veces se da el caso en que cuando se contrata a una estrella reconocida el público no se convence del personaje, debido a que saben que es su estrella favorita actuando, pero con Marion Cotillard no sucede. Marion Cotillard nos convence en su totalidad de sus quiebres, sus tristezas, su timidez y su miseria, brindándole al público un coctel de emociones que Marion supo transmitirnos a la perfección. Su personaje puede resultar por momentos molestoso y desesperante, pero de hecho es lo que lo hace más maravilloso, ya que es producto de la misma depresión. Una interpretación bastante conmovedora, sentida, real y natural en la que Cotillard nos confirma ser una de las mejores actrices contemporáneas.

El resto del reparto por igual se siente tan real como la vida misma. A cada puerta que Sandra se acerca vemos la particularidad de cada compañero de trabajo que se visita con sus diferentes historias. Mención especial tambien a Fabrizio Rongione quien interpreta a Manu el esposo de Sandra. 

Aunque el filme posee algunos momentos un tanto melodramáticos y empalagosos, es un filme maravilloso el cual recomiendo encarecidamente por su gran mensaje representado en la última frase de la película.

Dos días y una noche (Deux Jours et un Nuit) es la digna representante de

Gone girl: El amor a su manera

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Gone girl (O Perdida) es uno de los mejores thrillers del 2014 del cual disfrutamos no solamente de una historia intrigante, sino que estamos ante una de las mejores interpretaciones del 2014 que pesa bajo los hombros de Rosamund Pike.

David Fincher nos narra esta historia de una manera bastante efectiva que va desentrañándose como capas, las cuales Rosamund Pike en su interpretación trazó bastante bien. Primero tenemos a una Amy (Rosamund Pike) hermosa, conservadora, angelical, inteligente, brillante y culta. Luego sentimos a un personaje bastante rencoroso y vengativo, con muchas frustraciones dentro, hasta darnos cuenta que finalmente es un personaje totalmente enfermo y con bastantes trastornos de la personalidad, como por ejemplo síndrome de Münchhausen (Crea dolencias y se lesiona para producir la compasión de terceros). Finalmente podemos ver un personaje que ama, odia, hace y deshace a su manera. Este filme es una mirada al empoderamiento de la mujer moderna (Sí, aunque no lo crean), y también es una historia de amor en la cual tanto Amy como su esposo Nick (Ben Affleck) se aman a su manera.

El resto del reparto está a la altura de la historia: Ben Affleck (Nick) se muestra bastante suelto y fluido en su interpretación, así como también Carrie Coon (Margo) quien interpreta a la hermana de Nick en el filme. Mención especial de igual manera a Kim Dickens quien interpreta a la detective Rhonda, con una actuación bastante acertada.

Otro punto a su favor que posee este filme (Y es un elemento en el que Fincher nunca falla) es la atmósfera y densidad de sus películas. Desde que comienza hasta que terminan las 2 horas y media del filme, Fincher nos transmite el sofoque, agobio y tensión que no nos deja respirar hasta que termina la película,  y esto es de igual manera gracias a la adaptación que hizo Gillian Flynn, quien es la autora del Best-Seller Gone Girl en el cual se basa este filme.

Tras las dos actuaciones (Rosamund y Affleck), realmente no hay mucho más a destacar (Esto no es malo, ya que cuando se está en los zapatos de ambos, estamos hablando de personajes multidimensionales). Simplemente decir que "Gone Girl" es una de las películas más memorables y oscuras de 2014 (Aparte de que la banda sonora compuesta por Trent Reznor y Atticus Ross es excelente). Ahora sí los dejo, pero con la recomendación de ver esta película y/o leer su libro (Así sea para que tengan una idea de la salud mental y enfermedades mentales en general).

La película se estrenó el 3 de octubre del 2014.

Espero que les haya gustado este blog y que se animen a verla, (SI, LA ESCENA DE LA SANGRE ES GORE, PERO VALE LA PENA DE TODAS FORMAS PARA QUE VEAN COMO ES EL JUEGO) con cariño, el subconsciente y el propio.

¡Nos vemos en la próxima!