Birdman: La inesperada virtud de la ignorancia

Luego de habernos dado al público historias como Amores perros, 21 gramos, Babel y Biutiful, Alejandro Gonzalez Iñarritu nos sorprende con este filme llamado Birdman, el cual se basa en Riggan, un actor que tuvo su momento de gloria interpretando a un superhéroe, pero hoy en día olvidado. Riggan intenta impulsar y darle un cambio a su carrera, escribiendo, dirigiendo y actuando en una obra en Broadway, enfrentando todos los obstáculos que esto conlleva, sobre todo los obstáculos personales.

Birdman es un filme que cuenta con un alto nivel de realización, reafirmando los dotes de Iñarritu como director. Aplaudo y considero bastante acertado el estilo de realización y el montaje, el cual considero bastante idóneo y le va como anillo al dedo por la misma naturaleza de la historia que se está contando.

Birdman es una película con la cual muchos artistas pueden sentirse identificados, ya que nos hace ver un poco la lucha frustrada por ser tomados en cuenta y que la gente aprecie nuestro arduo trabajo. Ese anhelo de sentir que somos respetados por el público, la crítica, y los colegas. En otras palabras, es una breve mirada a ese ego interno de cada uno. Es esa lucha de poder, en la que tratamos de captar la atención de los demás a toda costa, queriendo demostrar que somos mejores que los otros, y ese constante deseo de sentirse admirado y ser el centro y foco de atención. Recuerden que todo artista vive de su público, y si no tiene un público al que entretener, intentará busca la forma de captar su atención a como de lugar. En la película, Iñarritu aprovecha también para realizar una crítica a las películas Blockbuster como Transformers, Spider-Man y demás. Lo irónico de todo es que precisamente algunos de sus protagonistas han sido parte de ese tipo de filmes. 

El reparto de la película no pudo estar mejor. Todos bastante sincronizados y dando lo mejor de ellos. Michael Keaton (Riggan) nos brinda una actuación bastante precisa, con un personaje inquietante, complejo y sustancioso. Un personaje lleno de emociones y frustraciones por dentro. Un personaje hecho a su medida, y es que recuerden que Keaton también fue un superhéroe por lo que entendemos que pueden relacionarse mucho tanto el personaje real como el de la ficción. Keaton esta bien acompañado de Edward Norton (Mike) quien interpreta a un actor bastante talentoso, pero al mismo tiempo arrogante y hasta rebelde, con quien Riggan tendrá una lucha de poderes. Aplaudo esta elección de Edward Norton quien en su interpretación estuvo bastante fluido y convincente. De igual forma tenemos a Sam (Emma Stone) quien es la hija de Riggan. Sam es una muchacha rebelde quien es adicta a las drogas y ha estado en rehabilitación. Emma consta de escenas con bastante fuerza en el filme, digna de ser reconocida.

Estamos ante un filme que puede llegar a ser incluso hasta catedrático en las escuelas de cine ya que cuenta con un excelente nivel de realización, pero el problema con Birdman es que precisamente su mayor virtud es su mayor defecto, es decir, Birdman es un filme que técnicamente es genial: Buena dirección, excelentes movimientos de cámaras, buenas actuaciones, buena fotografía y buen montaje, pero cuando ves un filme y te enfocas mas en admirar la realización que en vivir la historia algo debe estar fallando, ya que entonces no te convence, mas bien sabes que es simplemente una película bien hecha. Es una historia con bastante elementos por digerir y pueden distraer un poco. Pero de forma general, estamos ante un buen filme, y que consta de escenas inolvidables que no pueden perderse.

"Hay un mundo entero allá afuera luchando por ser relevante todos los días"

Ficha técnica:
Dirección: Alejandro Gonzalez Iñarritu.
Producción: Alejandro González Iñárritu, John Lesher, Arnon Milchan, James W. Skotchdopole.
Guion: Alejandro González Iñárritu Nicolás Giacobone Alexander Dinelaris
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Reparto: Michael Keaton, Edward Norton, Emma Stone, Naomi Watts.
Duración: 119 minutos

Quien le teme a Virginia Wolf: El monstruo interior

Muchas historias cobran valor debido a que en cada perspectiva que la mires te dirá algo diferente. Puedes pasar horas argumentando sobre el significado y encontrarás siempre algo nuevo. Eso es muestra de la riqueza de "Quién le teme a Virginia Wolf", esta clásica obra teatral escrita por Edward Albee y adaptada al cine por Ernest Lehman . Una de las mejores adaptaciones del teatro al cine. No debemos olvidar lo difícil que es la transición Teatro-Cine ya que son códigos totalmente diferentes. Es la ópera prima del tan recordado Mike Nichols, y con múltiples nominaciones y premios.

El guión nos va contando la historia a fuego lento. Sentimos esa relación de amor y odio entre el matrimonio de Martha y George  el cual la historia nos va explicando poco a poco, con diálogos desgarradores y que van subiendo a medida que avanza la historia. Nick y Martha tienen unos invitados a la casa esa noche. Cuando este matrimonio joven llega de visita a casa de Martha y George, vamos descubriendo el lado obscuro de cada uno. Ellos llegan de manera inocente sin saber que iban a ser participes de los "Juegos"a los que los serían sometidos, hasta hacer relucir lo peor de cada uno. Todo basado en insultos, ironías, humillaciones, reclamaciones,burlas, manipulaciones y amenazas.

Esta historia intenta mostrarnos en estos 2 matrimonios la infelicidad de la vida, la decepción, las frustraciones, nuestros deseos reprimidos y los sueños rotos, hasta el punto en que llegamos a ser manipuladores o auto destructivos. Cada uno sabe cual es la debilidad del otro y esta debilidad es atacada. Cuando te sientas y te pones a analizar, es una lección de vida, debido a que nos muestra que muchas veces esa crueldad e infelicidad de la vida muchas veces es causada por nosotros mismos. Nos quejamos tanto hasta llegar a ese punto en que esa miseria que sentimos es lo único que conocemos y no sabemos salir de ella, arrastrando al otro con nosotros. 

Este filme cuenta con uno de los mayores duelos actorales de todos los tiempos; Elizabeth Taylor (Martha) y Richard Burton (George), quien para aquella época estaban casados, y no ponemos en duda que muchas de esas frustraciones mostradas en pantalla fueron más que reales. Primero tenemos a una Martha con bastante fuerza, seductora, sensual, manipuladora, fuerte, con carácter y al mismo tiempo elegante y con carisma. Por otro lado tenemos a su antítesis George, un hombre con muchas frustraciones y odios por dentro. Este intenta contenerse a todos los insultos y humillaciones de Martha. Es imposible no sentir su infelicidad y su miseria. Una interpretación magistral de Richard Burton. Ellos están bien acompañados por Nick (George Segal) y su esposa Honey (Sandy Dennis) quien a medida que va pasando la historia nos damos cuenta que no son tan inocentes como parecen.

Debemos destacar la labor de dirección Mike Nichols,quien nos fue llevando esta historia con una excelente selección de planos,movimientos de cámara y un dominio excelente del espacio marcando un estilo bien definido. A todo esto se le suma una excelente musicalización de Alex North que hace que la experiencia sea inolvidable.

La deficiencia del filme esta en que tanto los diálogos como las actuaciones tienden a ser bastante exageradas, restandole un poco de credibilidad a la película, y muchas escenas por igual que sentimos que no están del todo bien construidas, sin embargo, no le quita al filme lo desgarrador que es. No se pierdan este clásico.

" Vamos a jugar a molestar a los invitados"

Ficha Técnica

Dirección: Mike Nichols. 

Guión: Ernest Lehman.

Producción: Ernest Lehman.

Musicalización: Alex North.

Reparto: Elizabeth Taylor, Richardd Burton, George Segal, Sandy Dennis.

Duración: 129 minutos.

Foxcatcher: El lado obscuro del sueño americano

Después de una larga espera, se pudo estrenar Foxcatcher en Cannes 2014 dando mucho de que hablar, y convirtiéndose en unas de las favoritas en esta temporada de premios. Como director tenemos a Bennett Miller (Moneyball y Capote) a quien debemos reconocerle el excelente trabajo que realizó con sus tres actores principales en esta historia verídica, y también por sumergirnos en esa atmósfera tan tensa e incomoda durante todo el filme. 

Foxcatcher es una mirada a la conducta humana, nuestras necesidades y nuestra psicología, simbolizado en el deporte de la lucha, más sin embargo, con un mensaje que aplica a cada persona. Es una mirada a la putrefacción de la sociedad americana y la forma tan absurda de patriotismo.Un patriotismo y esperanza que se intenta rescatar, ya que casi no existen líderes ni modelos a seguir, por lo que a veces se fuerzan a inventar estos líderes. Al final, todos como seres humanos necesitamos alguien a quien seguir y aferrarnos.

Foxcatcher trata sobre el abuso de poder, el lado obscuro del sueño americano y lo que cuesta conseguirlo. Hasta donde estamos dispuestos cada uno por conseguir nuestras metas y ambiciones, con sus consecuencias.Esa relación de mentor-discípulo que puede llegar a ser perturbadora, con un ritmo que te va llevando lento.Es tensa porque sientes en la película completa que algo extraño está pasando pero no sabes a que se debe. Sientes que algo va a suceder pero no sabes que será, ni la razón.

Una de las sorpresas en este filme es Steve Carell, quien por sus historial en las comedias no nos habíamos percatado de su registro como actor, interpretando a un personaje tan excéntrico, obscuro y extraño como el millonario John E. du Pont. Podemos apreciar de igual manera a un Channing Tatum como no lo habíamos visto antes, donde lo sentimos comprometido y bastante certero interpretando al luchador Mark Schultz. No podemos dejar atrás a Mark Ruffalo, quien interpreta a Dave Schultz, hermano de Mark. En este largometraje, Ruffalo nos sorprende con su cambio físico casi irreconocible, y con sus movimientos tan correctos de lucha, donde deja en claro su extenso trabajo detrás de cámara. Es interesante ver como en la película estos hermanos representan la antítesis del otro.

En el filme existen algunos vacíos en la historia, donde hay muchas cosas que no se explican,por lo que si nunca escuchaste la  historia real en la que se basa el filme, talvez no logres entender muchas cosas.  En el montaje las transiciones no nos dejan apreciar el paso del tiempo, pero se entiende que si de explicar y desarrollar más se trata, hubiese dado como resultado un filme más extenso De todas maneras, es un largometraje que les recomiendo bastante por la lección de vida simbolizada en este deporte de la lucha, y por las emociones que van a experimentar.

"Es lo que la medalla representa, las virtudes que se requieren para obtenerla "

Ficha Técnica
Dirección: Bennet Miller
Producción: Anthony Bregman, Megan Ellison, Jon Kilik, Bennett Miller.
Guión: E. Max Frye, Dan Futterman
Montaje: Stuart Levy, Conor O'Neill
Reparto: Steve Carell, Channing Tatum, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Vanessa Redgrave.
Duración: 130 minutos

Still Alice: El arte de perder

El tema de la esquizofrenia ha sido un tema bien abordado en el cine (A beautiful mind,Donnie Darko, Take Shelter),  dando la oportunidad de adentrarnos más en la psicología de quienes padecen esta triste enfermedad y de los que los rodean, pero en Still Alice el tratamiento es diferente, no se trata de la enfermedad de lleno. En Still Alice nos habla sobre el inicio de la enfermedad, el sufrimiento de saber que todo va a quedar en el olvido, ver como te vas degenerando poco a poco sin poder hacer nada, la tristeza de no poder recordar lo mejor de tu vida.

Este es un largometraje muy intimista, el cual se enfoca en la Dra. Alice (Julianne Moore) quien es una profesora de lingüística en la universidad y esta se va dando cuenta que su memoria le va fallando, primero olvidando palabras aisladas, lo que hace que ella sufra más ya que es precisamente a lo que se dedica, hasta el punto de no recordar donde estaba. Sin decirle a nadie fue a citas con un neurólogo, el cual le confirmó su enfermedad.

A medida que va pasando la película sentimos que las emociones y pensamientos son bastante certeros, y esto es gracias a la dirección tan sentida de Richard Glatzer. Vale la pena decir que él sufre de ALS por lo que su dirección fué bastante limitada, y su voz se proyectaba a través de un Ipad. Aplaudo la elección del poema de Elizabeth Bishop "El arte de perder"y su relación con la enfermedad en una de las escenas más emotivas del filme.

Este filme tiene escenas con mucha fuerza gracias a la infalible Julianne Moore, la cual nos ha brindado excelentes interpretaciones este año con Map To The Stars y este filme por igual. Aquí Moore nos brinda una actuación poderosa, llena de emociones, de sentimientos y bastante certera. Sin esforzarse mucho logra todo y nos transmite a la perfección por todo lo que está pasando su personaje, logrando que nos identifiquemos y sintamos empatía con ella.

El resto del reparto merece una mención especial por igual: Alec Baldwin (John) está perfecto como su esposo, y nos brinda una actuación bastante conmoverdora. Kristen Stewart (Lydia) merece la pena ser vista por igual, interpretando a una aspirante a actriz, pero su madre, la Dra. Alice no está muy de acuerdo. La relación entre ambas se vuelve especial y tienen una buena química en la pantalla.

Aunque el guión llega a ser bastante monótono y con situaciones y diálogos forzados, Still Alice es un filme que merece ser visto por lo que te hace reflexionar. No se pierdan de estas maravillosas interpretaciones.

"El arte de perder no cuesta tanto"

Ficha Técnica
Dirección:Richard Glatzer, Wash Westmoreland.
Guión: Richard Glatzer Wash Westmoreland
Montaje: Nicolas Chaudeurge
Basado en: Still Alice de Lisa Genova
Reparto:Julianne Moore,  Alec Baldwin Kristen Stewart Kate Bosworth Hunter Parrish
Duración: 101 minutos

Los gatos no bailan: Un homenaje al Hollywood clásico

Hollywood es sinónimo de talento, sueños, prestigio, arte, creatividad, fama y glamour, y este el más grande sueño del gato Danny: Conquistar Hollywood.

Danny es un gato de un pueblito llamado Kokomo, de donde partirá lleno de sueños y esperanzas con el fin de ser reconocido como una de las más grandes estrellas. Este talentoso gato que canta y baila ha sido inspirado en Gene Kelly y Fred Astaire, dos de las más grandes estrellas musicales y sobre todo dos de los más grandes bailarines de todos los tiempos.

Más tarde Danny se dará cuenta que en Hollywood las calles no son de oro como el pensaba, y se dará cuenta que necesita más que talento si quiere triunfar. En la ciudad conocerá a un grupo de animales que cantan y bailan los cuales intentan aterrizar a Danny a la realidad. De la misma forma, conocerá el amor en Sawyer, una gata talentosa como él.

Esta hermosísima película es un homenaje a los años dorados de Hollywood, donde se hacen referencias a grandes clásicos como Gone With The Wind, Cantando Bajo La Lluvia y Casablanca. También a estrellas como Joanne Crawford, Cary Grant y Clark Gable. Su antagonista, llamada Darla Dimple es una clara sátira por igual a una de las figuras más famosas de aquella época: Sherley Temple.

Esta película es entretenida y graciosa por las ocurrencias y situaciones de estos animales , y de la manera tan creativa en que los utilizan en el filme. No es casualidad que el grupo de animales fuera: Una tortuga, un mamut, un pez, un elefante, un pinguino y una cabra. Es una metáfora a lo que es Hollywood representado en cada uno de ellos.

Si no han podido ver este filme y se consideran amantes del Hollywood clásico no dejen de ver esta gran comedia musical animada, donde tendrán canciones y números musicales inolvidables. Hasta los créditos iniciales y finales son entretenidos, con un montaje bastante inteligente durante todo el filme, por lo que los invito a soñar y a reír un buen rato. Vale la pena ver este filme apto para todos.

"Hollywood, donde las calles de oro son"

Ficha Técnica:
Dirección: Mark Dindal
Guión: Mark Dindal, Robert Lence, Brian McEntee, Rick Schneider,David Womersley,Kelvin Yasuda
Producción: Bill Bloo,Timothy Campbell, Paul Gertz,David Kirschner
Edición:Dan Molina
Duración: 75 minutos
Año: 1997
Reparto: Scott Bakula, Jasmine Guy, Matthew Herried,Ashley Peldon

The Interview: Tanto para nada

El cine, el cual es un medio de comunicación por excelencia, puede lograr cosas que no nos imaginamos. Tanto así que todos hemos sidos testigos de la guerra virtual que se desató en contra de SONY debido a este filme llamado "The Interview". Se llegó a tal punto de realizarse incluso amenazas terroristas a quienes asistieran a ver este filme, debido a que en este filme se satiriza al mandatario de Korea del Norte Kim-Jong Un

Para los que conocemos los últimos proyectos de Seth Rogen (This is the End, Neighboors) nos hacíamos la idea que "The Interview" iría por el mismo estilo, por lo que si esperaban algo como la película El Dictador (Charlie Chaplin) lamento decirles que este filme está muy lejos de eso. Muchos han calificado este largometraje de polémico, pero en mi caso, simplemente no tengo como calificarlo, porque no dice nada. Es triste porque lo que propone originalmente es muy bueno, y de haberse tratado de una forma más inteligente, pudo haber sido un filme revolucionario y como una buena referencia acerca de sátiras políticas. Recordemos que el objetivo de la comedia es precisamente hacer denuncias sociales, debido a que es el género que más fácil llega a las personas.

Creo que es un buen momento en el que como humanidad reflexionemos sobre los medios sensacionalistas y la forma tan irresponsable en que se divagan las informaciones, y más por cosas tan simples. Todos los días nos llenan la cabeza de noticias insignificantes o de manera distorsionada. Pienso en todas esas semanas en las que se estaban haciendo especulaciones sobre este filme que al final no tiene grandes implicaciones.

De la misma forma, Hollywood y sus productores deben pensar un poco acerca de los largometrajes que realizan, ya que es comprensible que los norcoreanos se sintieran ofendidos e irrespetados con los malos chistes y las cosas dichas en la película, aunque al mismo tiempo las reacciones fueron bastante exageradas. Esperemos que se pueda olvidar esta atención mediática y seguir adelante.

Ficha técnica: 

Dirección: Seth Rogen, Evan Goldberg

Guión: Dan Sterling

Reparto: Seth Rogen, James Franco

Producción: Evan Goldberg, Seth Rogen, James Weaver

Duración: 112 minutos

La teoría del todo: No hay fórmula para la felicidad

Cuando se habla de Biopics (Películas basadas en la vida de una persona) siempre me predispongo un poco respecto al filme, y sólo me enfoco en la interpretación del personaje homenajeado. Esto es debido a que es muy complejo condensar tantos elementos en 2 horas y al final ni sabes de que iba la película. Una de las alternativas escogidas por los guionistas es basarse en un momento o en un aspecto en específico de esa persona. En el caso de La teoría del todo, está basado en el libro "Travelling to Infinity: My Life with Stephen por Jane Hawking" escrito por la primera esposa de Stephen Hawkings, en el que ella cuenta sus vivencias con este genio.

Debo decirles que el filme me sorprendió de manera muy grata. Es un filme conmovedor,es gracioso, es humano, es triste y es esperanzador. Es interesante como nos va demostrando la decadencia de Hawkings a través de los años; de ser un joven feliz, inteligente y vigoroso pasa a mostrarnos a un Stephen Hawkins demacrado físicamente, pero sin perder su espíritu y genialidad. Resulta curioso también ver que esta decadencia física va paralela con la decadencia de su matrimonio con Jane. 

Aunque el filme se enfoca más en la relación de Stephen y Jane, no deja de lado tampoco la parte científica, aunque de manera superficial y simple para que sea más fácil a los espectadores digerirla. Ya sabemos que Hawkings se hizo famoso en la comunidad científica por sus teorías sobre los agujeros negros y que estos emitían radiación. Hawkings también tenía una idea en la mente y es en la cual se basa el título del filme: Encontrar una formula que mostrara de manera cuántica el origen del universo, lo que nos lleva también por momentos a reflexionar un poco sobre el universo y su inmensidad, nuestro origen, nuestra existencia, para que estamos aquí, hacia donde vamos y sobre todo la existencia de Dios (Existencia que Hawkings discutía muy a menudo).

Me atrevo a decir que el mejor aspecto con que cuenta este filme es Eddie Redmayne y su magistral interpretación de Hawkings, la cual estuvo preparando durante 6 meses. Esto hizo que en escena se viera fácil y natural, pero ya sabemos por sus propias declaraciones que al terminar las grabaciones quedó exhausto. 

La adopción de la forma de hablar, la postura, las manos, la forma de caminar al comienzo de la enfermedad es digno de admirar.Tan convincente que te olvidas totalmente de Eddie y sientes que ves a Hawkings. Una interpretación conmovedora, inolvidable y poderosa; simplemente una cátedra de actuación. Eddie Redmayne ha sorprendido de forma maravillosa con sus habilidades, hasta el punto de considerar que es una de las mejores interpretaciones masculinas del 2014, si no es que es la mejor. Una actuación bastante completa.

A Redmayne lo acompaña Felicity Jones, interpretando a su esposa Jane. Felicity nos conmueve con un personaje inocente, dulce, ingenuo, perseverante y sobre todo leal. Nos da una idea del sacrificio y del corazón de la verdadera Jane Hawkings y de su lucha a través de los años, aunque en el filme se muestra una versión más ligera. Una interpretación que es también digna de admirar.

Hay que reconocer el trabajo de su director James Marsh quien pudo explotar la capacidad de sus actores y también por escenas tan bien logradas y certeras llevándonos a esa lucha interna y psicológica de ese matrimonio, acompañados de hermosas melodías compuestas para el filme y que acentúan mucho más las emociones de las escenas.

Debo agregar que aunque el matrimonio de esta pareja está bien representado, sentimos que faltaron algunos aspectos por exponer por ejemplo la sexualidad de ambos, de la cual se habla  mucho en el libro pero decidieron obviarlo.De todas maneras, es un excelente filme que merece la pena ser visto.

"Donde hay vida, hay esperanza"

Ficha Técnica

Dirección: James Marsh.
Guión: Anthony McCarten.
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce, Anthony McCarten.
Música: Jóhann Jóhannsson.
Duración: 123 minutos.
Reparto: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, Emily Watson, Simon McBurney.