Brooklyn: Entre dos amores

Este filme que tiene por nombre Brooklyn (Basado en el libro "Brooklyn, del escritor Irlandés Colm Tóibín), nos cuenta la historia ambientada en los 50's de la joven Eilis (Saoirse Ronan), quien se muda desde Irlanda a New York en busca de mejores oportunidades. Para mi grata sorpresa, esta película es mucho más que una película de inmigrantes.

El enfoque de la historia no está en lo duro y desolador de llegar a un sitio desconocido, ni las penurias ni tristezas. Esta historia intimista nos relata el dilema de un corazón dividido no solo entre dos amores, también entre dos ciudades. Entre ingeniosos diálogos y un guión modesto pero efectivo, nos enseña que para madurar y crecer debemos mirar el mundo hacia afuera, y este crecimiento tiene por costo dejar lo que una vez fuimos para ser aquello que queremos ser. Salir de esa zona de confort a la que estamos acostumbrados con la esperanza de encontrar nuestro propio camino, nuestro lugar y sobre todo nuestras propias convicciones. Una historia que te hará preguntar que es un hogar.

El punto más fuerte de este filme es su actriz principal Saoirse Ronan, quien con sus gestos y miradas, nos cautivan cada segundo que está en pantalla y sorprende la madurez con la que asume su personaje contando solo con 21 años, y acompañada no solo de un director (John Crowley) con suficiente sensibilidad, sino tambien de un guión que penetra como el cristal a los pensamientos y sentimientos de Eilis y nos va llevando a ritmo con ella .El reparto no tiene desperdicio. Cada actor se preocupó por darle su sello personal a sus respectivos personajes.

A pesar de que faltaron más puntos fuertes en la trama cuando Eilis está en Irlanda ( pero sutilmente sentimos lo que sucede) recomiendo que vean este filme que bajo unas fotografías, vestuarios y paisajes hermosos nos contará una modesta pero hermosa historia que todo aquel que es o ha sido inmigrante (como yo) se sentirán identificados y desnudos ante ella y su personaje. 

"El hogar es el hogar"

Ficha Técnica: 
Dirección: John Crowley
Producción: Finola Dwyer, Amanda Posey
Guión: Nick Hornby
Fotografía: Yves Bélanger
Montaje: Jake Roberts
Reparto: Saoirse Ronan, Domnhall Gleeson, Emory Cohen, Jim Broadbent, Julie Walters.
Año: 2015 
Duración: 112 mins

Locke: Saber elegir

Siempre he visto la vida como el compendio de nuestras propias decisiones, no conforme con esto, se le suman las decisiones de las personas a nuestro alrededor, dando como resultado nuestro presente. 

Ivan Locke (Tom Hardy), un hombre dedicado a su familia y exitoso jefe de construcción está consciente de que la vida es saber elegir, y además, sabe que en ocasiones no se trata de optar por lo fácil, sino  por lo que a nuestro juicio es lo correcto y va dentro del marco de nuestros principios, aún si esto implica nadar en contra de la corriente.

Locke es un thriller simple pero efectivo en donde vemos al personaje de Ivan Locke salir de su trabajo, cuando recibe una llamada que desencadenará en eventos que ponen en peligro la estabilidad tanto de su vida familiar como la profesional. 

Aunque no es un concepto nuevo el poner a un solo actor con toda la carga dramática -Buried, 127 horas-  en el filme funciona como un acertado enfoque, simplificando la historia y demostrando que en el cine se trata de lo que no se decide mostrar (A propósito de las decisiones). De igual forma es muy acertada la personalidad tan pragmática y directa de Ivan Locke, ya que nos sirve de aclarando del por qué actúa como lo hace y logramos entender su perspectiva y posición. Cometió un error y simplemente intenta hacer lo que entiende que es correcto.

Tom Hardy demuestra una vez más sus dotes como actor. Una actuación bastante contenida, controlada, inteligente, emotiva y sobre todo desenvuelta en esos primeros planos que tan difíciles son para muchos actores. Esto se debe también gracias a la dirección de Steven Knight, no solo con Hardy sino con los demás actores que intervienen por teléfono.

El montaje intenta ser lo más dinámico posible e intenta darnos la sensación en tiempo real de ese recorrido de Locke. El mayor fallo son las conversaciones imaginarias que tiene con su padre, que si bien nos permiten darnos una dimensión de su personalidad y su pasado, se siente superflúo. De todas maneras, es una buena propuesta, irónicamente entretenida y nos hace cuestionar mucho acerca de nuestra libertad de decisión y de recordar que la vida se trata de saber elegir.

"Soy el padre"

Ficha Técnica.
Dirección: Steven Knight
Producción: Guy Heeley, Paul Webster

Guión: Steven Knight

Fotografía: Haris Zambarloukos

Montaje: Justine Wright

Reparto: Tom Hardy

Año: 2013

Tiempo: 85 minutos

La familia Bélier: La ironía del silencio.

Uno de los secretos del éxito de las películas de Hollywood es que impregnan una fórmula para que cuando salgamos  del cine nos sintamos satisfechos y nos sintamos bien, apelando a esos sentimientos que nos dan una buena sensación. Esto es precisamente lo que sucede con esta exitosa comedia francesa "La familia Bélier".

La familia Bélier nos cuenta una historia bastante particular. Son una familia de sordos, menos la hija, dando esto paso a que ella sea el nexo de su familia con la sociedad, principalmente traduciendo por señas. La situación se complica cuando un profesor de canto descubre la gran voz que ella tiene y le exhorta a que audicione para una beca y se mude a Paris. La temática de la película da paso a jugar con los subtextos, simbolismos y subtramas, mostrándonos lo irónico que puede ser el silencio, como por ejemplo: La hija es la única que puede hablar y canta pero no puede ser escuchada por su familia, su papá quiere postularse a candidato, siendo su eslogan "Yo te escucho", y tambien escenas como la del pantalón manchado.

El filme logra que el espectador sienta empatía por la familia, siendo esto fundamental; y son precisamente esos sentimientos conmovedores hacia esa familia que nos fueron sembrando poco a poco durante la película que al final nos llevan hasta el punto en que puede llegar sacarnos hasta una lagrimita al ver como se va cortando ese cordón umbilical y salimos a ese mundo afuera. Es interesante además, que se puede apreciar la situación desde cualquier perspectiva; Uno como padre ver a sus hijos irse, uno como hijo despedirse de su familia, y uno como hermano ver como se van y nos dejan solos. Estos sentimientos se conjugan en la escena de la audición, la cual llega a ser sentimental.

El filme cuenta con un excelente reparto conformado por Karin Viard (Gigi Bélier) quien interpreta a la madre y desborda mucha gracia con su personaje, François Damiens (Rodolphe Bélier), quien interpreta al padre, Louane Emmera  (Paula Bélier) a quien se le debe hacer mención especial, ya que es su debut actoral y logró ganar la simpatía de los espectadores. De igual manera cabe recalcar el trabajo de Eric Elmosino (Fabien) quien interpreta al extravagante profesor de canto de Paula, y quien pudo sacarle al público una que otra risa. Agrego que Luca Gelberg, quien interpreta al hijo (Quentin Bélier) es sordo en realidad, por lo que los actores tuvieron que dedicar varios meses a aprender el lenguaje de las señas.

Aunque la temática de la película y muchos diálogos y escenas pueden tildarse de cliches, este filme es de esas comedias perfectas para poder pasar un buen rato entre amigos y reir, ya que su director nos introduce a las temáticas de superación, el amor y libertad con buenas descargas de humor e ironía. Totalmente recomendable.

“¿Por qué no votarían a un sordo si votaron a un imbécil?"

Ficha Técnica: 

Director: Éric Lartigau
Productor: Philippe Rousselet, Éric Jehelmann, Stéphanie Bermann.
Guión: Victoria Bedos, Stanislas Carré de Malberg
Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine
Reparto: Karin Viard,  François Damiens,  Éric Elmosnino, Louane Emera.
Duración: 100 mins
Año: 2014

Clouds of Sils Maria: El universo de las actrices

El mundo de las actuación es un universo por descubrir y que puede volverse bastante competitivo, especialmente cuando se trata de actrices, ya que la belleza y juventud es muy tomada en cuenta, por lo tanto, cuando estas actrices van envejeciendo y llegan a los temidos 40, es un punto de inflexión y una etapa muy difícil, donde los roles que les llegan no son los mismos - o no le llegan propuestas en lo absoluto- y se comenta mucho acerca de como van envejeciendo y de como son estrellas olvidadas o reemplazadas por la nueva generación. Este tema lo hemos visto en grandes clásicos como "All about Eve"y en "Sunset Boulevard". 

En Clouds of Sils María nos muestra de una manera bastante intimista y acertada la vida de la actriz María Enders (Juliette Binoche) quien se enfrenta a una situación bastante particular. María Enders se dió a conocer gracias a su interpretación de Sigrid, una muchacha de 20 años que logra fascinar a Helena, hasta llevarla al suicidio. Ahora, a María le han ofrecido participar en la misma obra que la catapultó como actriz, interpretando esta vez a Helena. María no se siente muy convencida y detesta el personaje de Helena. Su inseparable asistente Valentine (Kristen Stewart) le ayudará a ensayar los diálogos y sobre todo a darle otra perspectiva en cuanto a Helena y hacerle ver que el paso del tiempo no es tan malo cuando lo aceptamos y sabemos encontrar nuestro lugar en el hoy y ahora y así no quedarnos atrapados.

Este largometraje es un acercamiento casi documental al mundo privado de las actrices, donde estan expuestas: Sus inseguridades, como aceptan los roles que les ofrecen,como los analizan, como se identifican con ellos y lo interiorizan, como lo discuten y lo ensayan e incluso como investigan sobre sus co-estrellas. De la misma forma, nos muestra ese proceso de María Enders acostumbrarse a todo lo lo que implica esta nueva generación de estrellas, que va de la mano con el imparable fenómeno del internet.

Entre los aspectos más sorprendentes de esta película se encuentra la increíble química entre Kristen Stewart y Juliette Binoche. Son un dúo que sin esperarlo funcionan a la perfección y se saben complementar. Aplaudo a Juliette Binoche por darnos una actuación tan magistral y llena de carisma, donde te envuelve con su risa, y de igual forma reconocer el excelente trabajo de Stewart, ya que tomando en cuenta que es americana, supo acoplarse a la perfección a ese entorno europeo diferente, donde aparentemente se siente más cómoda. Tanto así que por esta acertada actuación ganó el César a mejor actriz de reparto. El guión y dirección de Olivier Assayas es de reconocer igual. Una dirección inteligente, especialmente en las escenas donde María y su asistente Valentine ensayan las escenas, y un guión bastante rico, el cual se puede interpretar desde muchas vertientes. Un guión lleno de subtextos y simbolismos.

El problema con el filme es que llega a ser un poco confuso y ambiguo, provocando que muchos no logren entender cual es la temática y por lo tanto lo sientan lento y aburrido. De todas maneras, si la temática les interesa y les llama la atención el universo actoral, no duden en ver esta película.

"No puedo ser vieja mientras no quiera ser joven"

Ficha Técnica

Dirección: Olivier Assayas.

Producción: Sylvie Barthet, Karl Baumgartner, Rémi Burah, Charles Gillibert.

Guión: Olivier Assayas.

Montaje: Marion Monnier.

Elenco: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz.

Año: 2014

Duración: 124 minutos

Ida: Nuestro lugar en el mundo.

Ida (Agata Trzebuchowska) es una joven la cual ha estado toda su vida en un convento y está a punto de ordenarse; no sin antes descubrir la terrible realidad de sus padres y su familia desde la ocupación Nazi en ese país. Durante este doloroso y misterioso trayecto, la acompañara su única tía Wanda (Agata Kulesza).

En esta búsqueda, su director y guionista Paweł Pawlikowski nos irá mostrando en estos dos personajes-que parecen la antítesis del otro- diferentes vertientes: Una es santa y la otra no es tan santa, una joven y la otra es más madura, una ya ha vivido todo lo que la vida tiene por ofrecerle y la otra no conoce nada del mundo más que Dios y su convento. Las motivaciones para encontrar a sus muertos, de igual forma son diferentes: Ida necesita conocer su pasado para así terminar el rompecabezas de descubrir quien es y forjar su identidad, mientras que a su tía, le ayudaría a calmar un poco los fantasmas de su vida tormentosa y vacía, la cual el alcohol, sexo y cigarrillo no ha sabido llenar por completo. 

Una de las cosas más interesantes del filme es el enfoque que se le da a un tema tan importante e histórico, ya que no intenta darnos lecciones de historia, ni nos muestra melodramas de dolor, ni crucifica o muestra odio por los culpables. Simplemente nos muestra como la guerra puede cambiar una sociedad y puede cambiar drásticamente la vida del individuo. Pequeñas cosas pueden cambiarnos como individuos y la percepción que tenemos sobre el mundo. Este filme nos invita un poco a reflexionar sobre ambos extremos: Experimentar todo lo que la vida tiene por ofrecernos hasta aburrirnos y sentir que no hay más nada, o haber vivido siempre en una burbuja la cual en el momento en que experimentamos lo que hay fuera de ella, ya sea por costumbre o porque en realidad no nos gustó lo que había, nos quedemos dentro de ella nuevamente.

Felicito a esas maravillosas actrices, que por esas casualidades de la vida tienen el mismo nombre (Agata Trzebuchowska  y Agata Kulesza), ya que supieron con sus expresiones transmitirnos todo aquello que sus personajes necesitaban decirnos y brindarnos un interesante contraste no solo con sus personajes, sino también con sus actuaciones, ya que una es una veterana y para la otra era su debut como actriz.

Aplaudo al director Paweł Pawlikowski y a su director de fotografía Lukasz Zal, no sólo por brindarnos una historia tan humana y reflexiva, haciendo que nos preguntemos quienes somos y que lugar ocupamos en el mundo, sino también por hacerlo con tal despliegue de belleza visual, ya que cada plano es una fotografía clásica. La planimetría de este filme es uno de sus logros y funciona más que a la perfección con la historia, dándonos una atmósfera de época desoladora y fría.

La queja de este filme para muchas personas es el montaje lento, haciendo que muchos se aburran y se desinteresen por la historia, y también la ambiguedad con la que se tratan los temas, sin embargo, les invito a ver esta película con más detenimiento entendiendo el contexto post-guerra que se muestra.

"Lo usual. La vida."

Ficha técnica

Dirección: Paweł Pawlikowski
Producción: Eric Abraham, Piotr Dzieciol, Ewa Puszczynska.
Guión: Paweł Pawlikowski, Rebecca Lenkiewicz.
Fotografía: Lukasz Zal, Ryszard Lenczewski.
Montaje: Jaroslaw Kaminski
Música: Kristian Eidnes Andersen
Reparto:Agata Trzebuchowska, Agata Kulesza.
Año: 2013

Del cine dominicano

Cuando se habla de cine dominicano ya todos sabemos el mismo padre nuestro y rezo de siempre: Las películas de aquí son malas, siempre usan los mismos actores, el guión es malo, son las mismas comedias de la televisión a la pantalla...etc, por lo que no quiero redundar en lo mismo.

Mientras veia "Los paracaidistas" y escuchaba la risa de las personas pensaba y reflexionaba sobre nuestro cine, nuestros directores, nuestros actores, guionistas y sobre todo en el público dominicano y en como nos manejan. Pensaba en nuestro cine porque recientemente nos hicieron mención en España por tener una de las mejores leyes de cine y que esperan que nuestro cine inunde las pantallas. 

De manera particular me siento orgullosa de ver como en algunos aspectos hemos crecido tanto: En el número de películas que se realiza, en lo genial que está la calidad de la imagen de nuestro cine, e incluso en como ha mejorado el sonido de nuestros largometrajes que tanto cuesta realizar porque somos un país ruidoso.También ver como han surgido excelentes directores que con cada película que realizan van mejorando su pulso, su técnica y su estilo. Es maravilloso ver a tantos directores comprometidos y con visiones tan particulares sobre nuestra sociedad y la vida, pero como saben, el cine es como una rueda que debe estar balanceada por todos sus lados porque de no ser asi no avanza. Me entristece ver como grandes talentos que con tanto amor y empeño hacen su trabajo están siendo desperdiciados. No siempre les brindan historias que estén a su altura, o le dan el tiempo para preparar sus personajes. Aquí muy pocos miran la actuación con la seriedad y carácter que merece. Los actores son la cara del filme y los que guían la historia.Una buena actuación puede lograr una gran diferencia en los largometrajes que vemos. 

Es importante que productores, directores y guionistas reflexionen un poco acerca de las historias que nos brindan. El cine es el reflejo de la sociedad y cultura en la que vivimos, y la verdad es que prefiero pensar que en nuestro caso no es así. Los dominicanos somos mucho más que risas, tigueraje,  bebedera, fiestas o  estar de coro en coro con los amigos, pero nos tratan como si fuéramos solamente eso o por lo menos nos incitan a eso, sin darse cuenta que se perjudican a ellos mismos. Por lo tanto, llamo a la reflexión a tener más cuidado acerca de como muestran al mundo y a nosotros mismos los dominicanos quienes somos. Con esto no me refiero a un cine "Intelectual" o para "Un grupito" como dicen algunos, me refiero simplemente a un cine universal y para todos. 

Quiero también que reflexionen los que van y asisten masivamente a ver este tipo de cine. No me malinterpreten, no es que estoy en contra del cine dominicano, todo lo contrario, pero el cine no es beneficencia que debe ser apoyado solo porque es dominicano. Al cine vamos a ver una historia que haya captado nuestra atención, por lo tanto, exhorto a los realizadores a mostrar toda su capacidad y dar lo mejor de ustedes que sé que es mucho. Creo en ustedes y creo en el cine dominicano, el cual sé que tiene todo a su favor para emerger como un cine de calidad. El problema es que se va haciendo un círculo vicioso porque es al cine que nos tienen acostumbrados, y también existe el compromiso monetario que es grande y está el miedo de que será un fracaso de taquilla, pero no tengan miedo. Sé que es más fácil decirlo que hacerlo, pero invito a todos a NUNCA DUDAR DE NUESTRA CAPACIDAD. SOMOS MÁS QUE ESO. MANOS A LA OBRA!

Selma: Una película que importa

Existen películas que nos entretienen, películas para aprender cine, películas para conmovernos, películas que nos hacen reflexionar y películas que son educativas y que importan. Selma califica en esta última categoría.

 ¿Por qué importa Selma? Porque es una de esas raras ocasiones en que vemos a una mujer de color dirigir una película sobre un tema tan importante como la discriminación racial en Estados Unidos y desde la óptica que nos la presenta.

 ¿Por qué es importante Selma? Porque nos recuerda ese momento crucial en la historia de los negros americanos en la lucha por su derecho al voto y cuanto cuesta hacer valer ese derecho .

¿Por qué es importante Selma? Porque el racismo sigue imperando en nuestros días y no solo con la raza negra. Es un tema a considerar incluso en el contexto dominicano, donde ahora mismo existe un desorden migratorio y es urgente regularizar el estado de esos haitianos. Como dominicanos debemos entender que sea de la raza que sea, si nació en República Dominicana es dominicano y debemos ser justos, pero muchos se oponen más que por cualquier cosa por racismo, valiéndose de la atolondrada idea de que existe un plan macabro de unificar la Isla.  Esa idea es paranoica.

¿Por qué es importante Selma? Porque nos recuerda el papel tan crucial que tuvo el líder y ganador del premio Nobel de la paz Martin Luther King en esas sangrientas marchas y en esas sangrientas luchas por defender lo que hoy en día entendemos como derechos humanos y que son inherentes a las personas: Derecho a la libre expresión, derecho a la libertad de transitar por la vía pública, derecho a una educación, alimentación, vivienda, derecho al trabajo digno, incluso derecho al amor. En Selma se ve de forma específica la lucha por el derecho al voto que es igual de importante. Todo esto sin distinción de sexo, religión o raza; simplemente por el hecho de haber nacidos seres humanos.


En Selma nos narra este triste y vergonzoso episodio que la historia americana le seguirá tristemente recordando a las presentes y futuras generaciones de como sus padres o abuelos fueron partícipes de un racismo salvaje y violento en las diferentes manifestaciones en contra del mismo. Martin Luther King promovió junto con el SCLC y SNCC una marcha pacífica de Selma a Montgomery para exigir el derecho al voto. ¿Por qué en Selma? Porque la mitad de la población ahí era negra, sin embargo, solo el 1% de ellos estaba inscrito en la lista electoral, por lo tanto, era un sitio importante. Alrededor de casi 600 personas se unieron a la manifestación, pero al llegar al puente Edmund Pettus los esperaban un grupo de las tropas del estado, los cuales atacaron a los marchantes de manera bastante violenta,provocando la muerte de muchos de ellos. Dicha brutalidad fué televisada a nivel nacional, haciendo que muchos se horrorizaran, se compadecieran y hasta cambiaran su percepción acerca de los negros, facilitando así que se agilizara la ley de derecho al voto.

El filme es conmovedor y al mismo tiempo con una atmósfera tensa y de suspenso por una brutalidad que su directora  Ava DuVernay no tiene miedo a mostrar,siendo esto bastante valiente de su parte; asi como también recordarnos que Luther King no era un santo y que en su familia las cosas no eran perfectas debido a sus infidelidades, las cuales llegaron a hacerse públicas en su momento, intentando que la imagen pública de este líder se perjudicara, sin embargo, a pesar de momentos tan difíciles, su esposa Coretta (Carmen Ejogo) se mantuvo con él hasta su asesinato.

David Oyelowo (Martin Luther King) no tuvo tarea fácil al interpretar a este líder, no obstante, en el filme lo deja fluir de una forma bastante natural, creíble, simple, certera y orgánica, por lo que celebramos tan acertada elección. David Oyelowo nos envuelve con sus gestos, su forma de hablar y sus discursos tan perfectamente dichos, los cuales también debemos darle crédito a su directora Ava, ya que debió escribir en el guión los discursos de otra forma para no caer en problemas de derecho de autor. Mención especial a Henry G. Sanders, quien interpreta al padre de Jimmy Lee Jackson, debido a que Sanders supo conmovernos y sacarnos una que otra lágrima cada vez que aparecía en pantalla.

Aunque históricamente el filme tiene algunas cosas que no sucedieron tal y como los muestra - Por ejemplo la reticencia de Lindon B. Johnson a la ley, la cual no fué tan extrema - es un filme que como mencioné al principio importa, y vale la pena ver. Selma es de esos filmes para tener de colección.

"Dios fué el primero en llorar"


Ficha Técnica:
Dirección: Ava DuVernay
Guión: Ava DuVernay, Paul Webb
Producción: Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Christian Colson, Oprah Winfrey.
Música: Jason Moran
Fotografía: Bradford Young
Reparto: David Oyelowo, Carmen Ejogo, Tim Roth, LorraineToussaint,  Common, Giovanni Ribisi.
Duración: 127 minutos

La mujer del año: El dilema de la mujer moderna

Tess Harding(Katharine Hepburn) es una columnista de temáticas políticas, y una de las mujeres más famosas en ese momento por su liderazgo, feminismo, educación y preparación; a tal punto que ella es nombrada la mujer del año. Habla 6 idiomas: Inglés, francés, español, ruso, alemán y griego (Sí. Van a escuchar a Katharine Hepburn hablando en esos idiomas durante la película). Por otro lado tenemos a Sam Craig (Spencer Tray) columnista de deportes. La situación a simple vista es predecible: Al ser tan diferentes se atraen y se enamoran (Con una química que muy pocas veces se ve en el cine), pero la temática de este filme llamado "LA MUJER DEL AÑO" es mucho más profunda y va más allá que una simple comedia de romance.

Luego de que Tess y Sam se casan comienzan a florecer los problemas,que más que matrimoniales, son problemas culturales e ideológicos. Este matrimonio expone un dilema que, a pesar de ser una película de 1942, trata un tema bastante actual y vanguardista: EL DILEMA DE LA MUJER MODERNA. 

Se entiende por mujer moderna aquella que no se limita sólo al cuidado de la casa, hijos y el esposo. La mujer moderna es aquella que es versátil, luchadora, que trabaja duro, lee, estudia, gana dinero, es inteligente, es independiente, es dinámica y sobre todo es capaz de salir adelante y conseguir grandes logros por ella misma, obteniendo así igualdad entre el hombre y ella y constando de los mismos derechos. Debo hacer la aclaración de que cuidar la casa, hijos y esposo no nos hace menos mujeres o menos inteligentes. Cada mujer es diferente y tiene diferentes inquietudes. 

El problema está en que a veces es difícil encontrar ese equilibrio y armonía: Ser buena en el trabajo, ser buena esposa, buena amante, buena madre, buena hija, buena amiga y buen físico. Entonces nos encontramos en el dilema de qué es en realidad lo que significa ser mujer y lo que se espera de nosotras como mujeres, es decir ¿Qué es lo correcto? ¿Qué es ser mujer? Según la ideología mundial, es aquella que es delicada, tiene belleza física, sabe cocinar, sabe lavar, sabe planchar, sabe barrer y sabe atender a su marido. Pero ¿Qué hay de las mujeres que no saben hacer ninguna tarea del hogar o no tienen un cuerpo esbelto, acaso son menos mujeres?¿Dónde quedan nuestras metas personales?  ¿Deberíamos de sacrificarlas por mantener un matrimonio y un hombre feliz o vivir de nuestro trabajo y éxito con sabor a soledad y soltería? 

Aunque en la película se llevan las cosas un poco al extremo, dándonos la impresión de que es una propaganda a que la mujer se dedique a atender su casa y matrimonio- Especialmente en esa secuencia final donde Tess no sabe ni como hacer café- al final, nos da a entender que su esposo Sam la apoya, y que lo único que pide es que Tess sepa armonizar, porque como dije anteriormente, el gran logro de la mujer hoy en día en saber encontrar ese balance en todos los aspectos de su vida. 

En conclusión, es un filme que recomiendo ver por tu temática, su excelente guión que cuenta con toques muy buenos de humor, escenas bien logradas y una icónica y magistral actuación de Katharine Hepburn, la cual le valió una nominación al Oscar, y entablar una relación con quien sería su pareja no sólo real, sino también pareja en la pantalla Spencer Tray.

"El éxito no es divertido a menos que lo compartas con alguien más"

Ficha Técnica:
Dirección: George Stevens
Producción: Joseph L. Mankiewicz
Guión: Ring Lardner Jr,  Michael Kanin
Fotografía: Joseph Ruttenberg
Reparto: Spencer Tracy Katharine Hepburn
Duración: 114 minutos
Año: 1942

Leviatán: Un mundo dominado por la maldad

En 1651 un filósofo inglés llamado Thomas Hobbes publicó su obra más importante llamada "Leviatán" en la que exponía sus pensar respecto a la conducta humana y como esta influye en la sociedad. En dicha obra, Hobbes nos explica que el hombre en su estado natural es egoísta, siendo un animal en guerra por su supervivencia, es decir, una "guerra de todos contra todos" donde "el hombre es un lobo para hombre".  Esto es precisamente lo que en cierta forma muestra Andréi Zviáguintsev, el director de esta desgarradora película rusa llamada "Leviatán".

Con este filme, sentimos que Andréi intenta abarcar lo más que puede todos los aspectos de la sociedad con una única historia, la cual se siente como si fueran varias historias, debido a que cada aspecto tiene su propia autonomía y autenticidad. Cuando hablo de aspectos me refiero al individuo, la familia, los amigos, el servicio público, la justicia, el gobierno y la religión. 

Primero tenemos a Kolya (Aleksei Serebryakov), un hombre que vive en el norte de Rusia al cual le quieren arrebatar sus tierras. Estas tierras son importantes para él, no solo porque fueron heredadas de sus padres, sino que también ha sido su vivienda desde siempre. La primera hora sentimos que el filme es un drama político cuando vemos la intensa lucha fallida de Kolya y su abogado Dmitri(Vladimir Vdovichenkov) por ejercer justicia, dándonos a entender que el sistema imperante no es efectivo para todos. Luego el matiz de la historia cambia un poco hacia el drama familiar dentro de la disfuncional familia de Kolya, donde tenemos a un chico rebelde y a una mujer infiel. Durante el filme se van dando pinceladas sobre el tema religioso-político y las creencias, para así concluir el filme dándonos algunas de las escenas más tristes, desoladoras y deprimentes del cine. Contiene chistes de humor negro como por ejemplo cuando utilizan las fotografías de líderes rusos como objetivo de puntería.

Uno de los aspectos más interesantes del filme es el contraste de su bella fotografía con la historia. Su director te muestra una gran belleza visual mientras que al mismo tiempo nos va contando una historia tan obscura donde vemos la triste realidad del hombre. Un mundo en el cual el que tiene el poder es el que sobrevive. Un mundo en el cual impera la mentira, el engaño, la extorsión, la injusticia, el sufrimiento, la violencia, la corrupción, la estupidez mezclada con vodka, la falsa amistad, la impunidad y el abuso de poder; así como espectadores nos lleva a hacernos la madre de todas las preguntas ¿Dónde está Dios? ¿Donde está ese Dios misericordioso que está a favor de los más débiles y necesitados?¿Acaso Dios no lo ve todo y es omnipotente y omnipresente?  y sobre todo ¿Existe realmente Dios? O resignarnos a que la religión es simplemente un medio de influencia y poder. 

El trabajo actoral es impecable. Su director llevó a los actores a tal naturalidad en esta historia, que da la impresión que es una especie de documental. Todos y cada uno de los intérpretes merecen mención especial. Tan natural y orgánico es el tratamiento en este filme que al final se convierte en una de sus mayores debilidades. El ritmo lento que tiene este largometraje no es apto para todos, ademas de que el filme es trágico y desolador. Pero aunque por momentos sentimos que el proyecto es bastante pretencioso, hay que reconocer la valentía de Andréi por realizar un filme tan verídico y tan crudo, dándonos una crítica fuerte a los seres humanos y la sociedad.

"Dios lo ve todo"

Ficha Técnica
Dirección: Andréi Zviáguintsev.
Guión: Andréi Zviáguintsev, Oleg Negin.
Producción: Alexander Rodnyansky.
Fotografía: Mikhail Krichman.
Reparto: Aleksei Serebryakov,  Elena Lyadova, Vladimir Vdovichenkov, Roman Madyanov.
Duración: 141 minutos

El cuento de la princesa Kaguya

Hay obras que te impresionan haciendo que te quedes corto de palabras porque no encuentras la adecuada para describirla. Esto es precisamente lo que me sucedió con "El cuento de la princesa Kaguya". 

Esta joya del cine de animación está basada en un cuento popular japonés (de autor desconocido, aunque no sería raro atribuirlo a una mujer) y con el cual nos adentramos a la mitología, cultura y folclor japonesa.  La dirección de Isao Takahata es una dirección bastante fina, certera y delicada en el manejo de la historia, el encuadre, y también impresiona en la forma en que pudo adentrarse en el pensamiento y sentimiento de la princesa, logrando que como espectadores lleguemos a sentir identificación y empatía con ella, llegando a encariñarnos.

El origen de esta princesa es bastante inusual, ya que la misma es encontrada dentro de una planta de bambú y adoptada por una pareja de ancianos campesinos, quienes suponen que ha sido una bendición del cielo, y se dan cuenta que Kaguya es especial; y es que Kaguya crece más rápido de lo normal, y porta una belleza extraordinaria. Todo era perfecto y Kaguya era feliz, hasta que su padre se dió cuenta que había que darle a Kaguya el estilo de vida para el cual ella está destinada: Ser una princesa. 

Este filme provoca de manera inevitable que nos frustremos y nos cuestionemos acerca de la felicidad, la cual es relativa; lo que hace feliz a algunos no hace feliz a otros. En un intento por proteger esa felicidad, a veces intentamos adelantarnos a lo que es correcto o lo que entendemos que será mejor, pero la felicidad es extraña, ya que sin darnos cuenta, las cosas menos pensadas son las que nos hacen verdaderamente feliz como correr, reír, compartir con amigos o mirar la naturaleza, es decir, las cosas simples de la vida; pero al elegir y decidir nuestro camino, debemos enfrentar las consecuencias de todo lo que implica esa forma en que elegimos vivir; que en mucho de los casos, no sabemos como esas mismas decisiones afectan a la felicidad y bienestar de otros. En otras palabras, la felicidad es una responsabilidad.

Al final, como seres humanos, no nos queda más que recordar, comprender, extrañar, sufrir, llorar, reír, y enfrentar y vivir todo lo que la vida nos trae, porque al final, el tiempo pasa rápido y nos perdemos de esos pequeños instantes de alegría plena, ya que como dicen por ahí, la felicidad son solo momentos; esos momentos en que llegamos a amar y ser amados sin juzgar al otro, y cuando entendemos que cada quien es especial por el hecho de existir, sin importar la condición de esa existencia.

Técnicamente la película es hermosa:  La música es de ensueño y no se te van de la cabeza todas esas hermosas melodías que intensifican las emociones en el filme. Los colores utilizados, además del voice-over de los actores es igual de fantástico, impregnando todos los sentimientos de los personajes.

A pesar de que el filme consta de algunos excesos y de escenas que talvez estuvieron de más, El cuento de la princesa Kaguya es una joya del cine de animación japonés que merece ser vista y apoyada. Siempre he pensado que una buena historia es aquella que con los años va cobrando valor y se adapta a las condiciones humanas,por lo que sin lugar a dudas, podemos decir que a pesar de ser un cuento antiguo, "El cuento de la princesa Kaguya" se adapta a la realidad, porque es una historia con valores universales y trata temas muy humanos. En resumen: SUBLIME.

"Esa felicidad que deseabas para mi fue difícil de soportar"

Ficha Técnica:
Dirección: Isao Takahata
Guión: Isao Takahata, Riko Sakaguchi
Producción: Yoshiaki Nishimura, Toshio Suzuki, Seiichiro Ujiie
Música: Joe Hisaishi
Reparto: Aki Asakura, Kengo Kora, Takeo Chii, Nobuko Miyamoto

• Año: 2013

Whiplash: El ser humano y sus obsesiones

Quién diría que la mezcla entre música y thriller sería una combinación tan fascinante. Whiplash es el ejemplo perfecto de esto.Desde que suena el primer beat en que Andew (Miles Teller) está tocando no soltamos la historia hasta esa magistral escena final cuando termina; como si fuera una canción o una sinfonía. Aunque la temática de Whiplash sobre la obsesión de ser el mejor no es nada nuevo (Black Swan), es refrescante ese universo al que nos lleva su director Damien Chazelle a través del instrumento de la batería, que es precisamente un instrumento que requiere de fuerza, energía y ritmo.

 Mientras ves el filme no puedes evitar sentirte precisamente esa misma forma: fuerte, enérgico,con ganas de luchar y no rendirte. Llevar tus deseos hasta las últimas consecuencias para conseguirlo, aún si eso implica hacerte daño a ti mismo; tanto así que llegas a un punto en el que te preguntas si tanto sacrificio, lucha y penurias vale la pena. Es preguntarte y reflexionar si eso que tanto deseas no es un simple capricho, más bien algo que sientes que te hará plenamente feliz y vale cada segundo de tu esfuerzo. De igual manera, es un estudio a las condiciones humanas de nuestros límites por satisfacer nuestro ego y deseos de grandeza.

Andrew quiere de ser el mejor baterista de su conservatorio. Quiere convertirse en legenda como su ídolo y una de sus mayores influencias a nivel musical Buddy Rich(Uno de los mejores bateristas de todos los tiempos), pero su mentor Fletcher (J.K Simmons) le hará saber y sentir que con simplemente ser bueno no es suficiente. Fletcher le exigirá perfección en todo el sentido de la palabra y tratará de quebrarlo espiritualmente. Andrew tendrá que darlo todo para cumplir con las exigencias de fletcher: Sudar, llorar y hasta sangrar en su bateria (Literalmente). Para que se comprenda un poco más la dimensión de la problemática, la batería es un instrumento que marca el tiempo y el ritmo, por lo que cuando se es baterista uno de los mayores retos es saber llevar el tempo y no tanto la velocidad como a muchos nos gusta; para esto los músicos de este instrumento pasan horas con un metrónomo y asi aprender a controlar el tempo.

Una de las mejores cosas que posee esta película aparte de el gran deleite de jazz y de buena música, es la actuación tan poderosa e icónica de J.K Simmons como Fletcher. Cada vez que aparece en escena, como expectador te sientes tenso, nervioso, con miedo y a la expectativa preguntándote que hará o qué dirá, por lo tanto, todos los aplausos para él por saber transmitirnos eso. De igual forma Miles Teller nos brinda una excelente interpretación llena de intensidad. Debemos agregar que era el mismo Miles tocando el instrumento, por lo que hay que reconocerle su magnifico trabajo. Descubriremos el lado bueno y obscuro de cada uno de sus personajes.

Aunque en algunos momentos sentimos que en la historia se exageran situaciones poniendo en duda que cosas de ese tipo sucedan de esa forma, Whiplash es un filme que vale la pena tenerlo a mano para poder verlo nueva vez, ya que posee un mensaje universal que aplica para todos y con el cual nos sentiremos identificados, especialmente los que se dedican a la música.

"No es mi tempo"

Ficha Técnica:
Dirección:  Damien Chazelle
Guión: Damien Chazelle
Producción: David Lancaster, Michel Litvak, Jason Blum
Música: Justin Hurwitz
Reparto: J. K. Simmons, Miles Teller, Melissa Benoist, Austin Stowell
Duración: 106 minutos